少しだけ映画の話を

配給会社に勤務しながら、映画について書き綴ります。

私は”彼”に心の底から嫉妬している。『パターソン』映画評

 
ジム・ジャームッシュ最新作として話題を集めた『パターソン』
 
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興行成績を見てもなかなかの良い結果を残しているのはなないかと思う。永瀬正敏さんが出演していることもあり、日本人にとっても受け取りやすい作品ではないだろうか。
 
この映画は"言葉"の映画である。
 
主人公パターソンは自らの名前と同じパターソンという街に住むごく普通のバス運転手。だが、彼には「詩」という秀でた才能があった。
 
流れ行く日常の風景の中で、随所に挟まれていくパターソンの綴る"言葉"。スクリーンには彼の手帳に書き込まれた"言葉"たちが浮かび上がってくる。
 
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同様のシークエンスは心地よいリズムで、作中に何度も繰り返される。これが素晴らしい。
 
私自身、詩に関しては全くと言っていいほど知識を持ち合わせいない。
 
詩を普段から嗜んでいる方々には大変失礼な話かもしれないが、正直「詩」という言葉を聞くと、どこか高貴で私たちの生活とは離れた場所にあるモノのように感じる。しかし、この映画を見て「詩」に対するイメージが大きく変わり、こんなにも身近で、愛おしくモノだと思えるようになった。
 
 
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本作はただ単に日常を何気なく切り抜いて「どう?こんな毎日もいいでしょう?」と見せるよう映画でなく、流れ行く時間の切り取り方を提示する映画だと考える。
 
 言語学の有名な仮説にこんなものがある。
 
「言語が思考を規定する」
 
言語が変われば、思考はその言語に依存することになる。例えば日本語は「理由→結論」型なのに対して、英語は「結論→理由」型の言語だ。そのため欧米人は常に端的に物事を考え、会話も常に伝えたいことを明確に述べる傾向がある。
 
この仮説は個人的には正しいものだと思う。(余談だが、記憶に新しいものでドゥニ・ヴィルヌーブ監督『メッセージ』(2017)もこの仮説に基づいたストーリーであった。)仮説の真意は違えど、思考するための知識や方法を知っていることは、人生の見方を180度変えることもできるということではないだろうか。
 
そしてこの仮説思い出し、私はパターソン、引いてはジム・ジャームッシュ監督が羨ましくて堪らなくなった。
 
映画の中で映し出される映像を、私は何気ない日常としかイメージとして捉えることが出来なかったが、パターソンにとっては周囲の人間が「何気ない」と考える時間を、自らの豊かな"言葉"に支えられた思考の中で何十倍も楽しんでいるのだ。
 
「時間」は全ての人に平等であるが、「思考」は平等ではない。水の流れる音、家にいつもあるマッチ箱、バスの中での乗客の中身のない会話。その一つ一つを自分の言葉で愛おしいモノに脚色していく。
 
また、双子の子供や愛犬が毎晩倒す郵便ポストなど彼の生活には「韻」がある。しかしこれらも詩を嗜んでいなければ気にもとめないような些細なことになって、受け流してしまうかもしれない。
 
彼は、意識しなければ"日常”として受け流してしまうようなものを”言葉”で切り取り、”詩”という新たな表象物に昇華させているのだ。
 
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『パターソン』で見た彼の感性溢れる言葉で綴られた”日常”は、もちろん彼にしか見えないものである。(他人がその世界を見ることができる唯一の方法が手帳でしたが…。)
 
そしてジム・ジャームッシュ監督が持つ視点も、彼の映画を通してしか見ることができない。 音楽にも精通し、キュレーターとしても有名な彼の作品を見るたびに、「映画」や「音楽」という切り取り方を持つ彼に私は嫉妬している。
 
 
 
 
この映画からは、これからの”日常”を過ごすために大切なことを教えて貰えた気がする。
 
毎日は、この世界は、あれほどにも愛おしく思える。
それは自分の切り取り方次第だと。
 
 
 
 
 
 

”映画”に惚れる映画『ベイビー・ドライバー』映画評

 

ネットで評判のベイビー・ドライバー

かなり前にはなりますが、初日舞台挨拶にて主演のアンセル・エルゴートを拝んできました。恥ずかしながら彼のことをまったく知らず、黄色い歓声で会場が沸き立つ中、 一人ぽかん顔。

 

確かに若くて優しそうな顔立ちで日本人受けがとても良さそうなお方ですね。

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肝心の映画の内容についてですが、あらすじ等はネットに溢れる情報におまかせするとして、幕開けからエンドロールまで1秒も息をつけぬほどのスピード感とノリを持った作品でした。そして、紛れもなく人を選ばず万人が心躍らせる作品であることは確かだと思います。

 

何故でしょうか。

 

それを万人が楽しめるほど多くの要素を隅々まで最適なバランスで散りばめているからだと思います。

 

フランス映画界の巨匠、ジャン=リュック・ゴダールは「男と女と車があれば映画はできる」と言いました。この言葉は真意はさておき、映画というものは様々なフェティシズム(*1)から作られてきました。ハリウッド超大作として地位を築いた『ワイルド・スピード』シリーズなどがその典型的な例です。街中では滅多に見かけないようなピカピカに磨き上げられたボディ、唸るエンジン音、そしてそのモンスターカーの隣には肌の露出の多い美女。

 

(*1 ここでは本来の性的な意味に限らず、特定のモノに対する強い嗜好という意味で使います。)

 

それなりに車に興味がある人からすればヨダレものの作品です。

ただ本作『ベイビー・ドライバー』は車だけでなく、音楽を軸としてラブロマンス展開やミュージカル調の長回しカット、ありとあらゆる映画的面白さを詰め込んだ作品になっています。

 

車と美女だけでも『ワイルドスピード』のような強力フェティッシュ映画が出来上がるのにですよ。しかし、この作品はただ要素を詰め込んだけではありません。

 

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映画というのは「編集」が作品の良し悪しを大きく決定し得るモノです。

 

ゲッタウェイドライバー(逃がし屋)を主人公とした作品はニコラス・ウィンディング・レフン監督『ドライブ』をはじめ多くあります。それでもこの作品が唯一無二である理由は、詰めに詰め込んだ要素を素晴らしい撮影と編集技術によって綺麗に1つのライン上に整列させているからでしょう。

 

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実際の撮影現場でもシーンで使われる音楽を流しながら演技をしていたそうです。そしてその素材を編集段階でコンマ1秒狂わないタイミングで音楽に載せていく…。

 

少しでも映像制作をしたり、動画編集をしたことがある人であればこれがどれだけ気の遠くなる作業かは容易に想像がつくでしょう。

 

音楽のビートに合わせて役者が演じ、車やコインランドリーまでもが踊り出す。そしてその舞台には僕らの好きなあんなものこんなものが散りばめられているのです。

 

映画ファンなら心踊らずにはいられない定番の展開も、クールな音楽に載せてリミックスすればこれだけ新鮮に面白く感じられるのだと、『ベイビー・ドライバー』を見て驚きました。

 

ミュージカルアクションという新ジャンルを創りあげた監督の熱意と手腕に拍手!!

 

 

 

 

レフン監督『オンリー・ゴッド』で描かれる"神"の 存在

ニコラス・ウィンディング・レフン監督の作品には宗教や神話といった形而上学的なものが軸になっていると感じる。彼自身の宗教観が強く表れているからだろう。それが顕著に表現されたのが『オンリー・ゴッド』である。

「難解」「何がしたいのかよくわからない」「レフンの失敗作」などという声を良く聞くのだが、私は必ずしもそうではないと思う。レフン監督らしさは相変わらず爆発しており、映像を一つ一つ紐解いていけば私的な解釈ではあるが十分理解もできるし、間違いなく面白い。

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本作は彼自身の宗教感だけでなく、彼が敬愛するアレハンドロ・ホドロフスキー監督(本作も彼に捧ぐとクレジットに書いてありました。)の影響も大きくあるだろう。ホドロフスキーは演出家、タロット研究家、セラピストなど多岐に渡る肩書きを持ち、その作品歴を見ても難解なものが並ぶ。『エル・トポ』(1970)や『ホーリー・マウンテン』(1973)など挑戦的な映像表現とカルト的とも言えるテーマは多くの映画に影響を与えてきた。『オンリー・ゴッド』も例外ではないはずだ。

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ホーリー・マウンテン』より。物質主義を捨てた解脱への旅をカルト的な映像で表現した。難解と思われがちだが、監督が描きたかったのはプロットを追うような映画ではなく、映像自体に没入するようなもの。レフン監督の作品の"寡黙さ"にも共通点は見られる。

 

まず、この映画で重要なのが神の存在だ。

原題の"Only God Forgives"から分かる通り、この映画は神を軸として物語が展開する。

ただし、本作の"神"というのは、形而上学的な存在ではなく、舞台となったバンコクの街で圧倒的な権力を持つおじさんのこと。

 

映画序盤、1人の売春婦が殺されてしまう。"神"は殺害現場にいた犯人を拘束するが、逮捕はせず、その売春婦の父親を連れて来させて復讐をさせた。

まさにハンムラビ法典の「目には目を、歯には歯を」の復讐法を復活させたかのような世界である。父親は怒りのあまり犯人を殺してしまうのだが、”神”は「殺すのはやりすぎだ」と言って今度はこの父親を罰してしまう。 (なんとも無茶苦茶なおやじである。)

 

何故、父親は殺人犯を殺したことが罪になってしまったのか?

復讐法のルールに乗っ取るなら、娘の仇をうつことは正当であるのに。

 

その理由は、彼のルールは復讐法のようなものではあるが、それと同時に個々人の罪についても問うものだ。

この父親は、娘を殺されることで男を殺す権利を得たのだが、娘に売春をさせて稼がせていたのが。この世界で言う"神"がどの宗教的ルールの沿っているかは不明だが、淫売行為を許容する宗派など世界のどこを探しても存在しない。(はず。)

欲望に溺れることが悪とされるのは言わずもがな、それを自らの家族を斡旋して助長させるなど誰がどう見ても罪なことは確かである。貧しい家庭環境という釈明の余地はあったにせよ、審判の結果、"神"の許しは出なかったわけだ。

 

このように、最初の裁きでこの世界のルールは明確になる。

罰する相手の何がどの程度の罪なのかは登場人物各々の行動や台詞でわかる。「一人一人、罪を露呈した後に神によって裁かれる」というのがこの作品のおおまかな流れとも言えるだろう。

 

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"神" - チャンを演じた、ヴィタヤ・パンスリンガム。彼は実際に刀の達人との言えるほどの腕前を持っているため、作中のその素早い刀裁きも納得。無表情で裁きを下すその姿は最高にクールだ。

 

断罪後に行われるカラオケについては、既に多くの方の考察でも書かれている通り、”神聖な儀式”としての役割を果たしている。

カラオケに参加する者は笑み一つ浮かべず、淡々と歌われる謎の歌謡曲を聞き続ける。お経や聖歌を聞いたことがある人ならば、この光景も不思議と納得できるはずだ。「歌っている内容やその意味自体はあまりわからないが、神聖なものであることはなんとなく分かる」という顔だ。筆者も寺でお経を聞いた時のことをあの場面で思い出した。

 

レフン監督の映像の美しさとかっこ良さで、このシーンも最初は意味不明であったが、よくよく思えばあの参列者のまぬけ面が並んだところは笑える場面でもあったのかもしれない…。(もちろん監督自身はインタビュー記事などを読む限りそんな人柄ではないと思うので、恐らく笑ったら怒るだろうが笑。)

 

 

 

...続く。

 

 

【次回】

・おしゃれで強烈なマザコン脱却物語?

・「神への挑戦」レフン監督の思惑 etc